С 9 июля по 8 сентября в Центральном выставочном зале «Манеж» проходит выставка коллекции Музея нонконформистского искусства. История этого музея неразрывно связана с домом 10 на Пушкинской улице. Почему этот адрес стал таким знаменитым и какое культурное наследие он несёт за собой?
«Пушкинская-10» — центр некоммерческого искусства в Санкт-Петербурге. В разгар перестройки в коммунальном здании по этому адресу собирались независимые художники и музыканты, которые позже создали «Товарищество «Свободная культура». Локация очень быстро стала местом силы вольного самовыражения для всего города. Здесь развивался огромный творческий организм, а сам дом 10 на Пушкинской обрёл статус легендарного и вошёл в историю отечественной инди-культуры: о нём в эфире радио ВВС говорили как о самостоятельном государстве (хоть и в шутку), его имя носит один из альбомов рок-группы «Аквариум».
За почти сорок лет работы арт-центр сохранил тысячи картин, инсталляций (в том числе и музыкальных), скульптур, фотографий и арт-объектов авторства лучших представителей петербургского андерграунда. В прошлом году творческое объединение передало в дар «Манежу» коллекцию в 5000 единиц хранения, более 400 из которых представлены на новой выставке «Пушкинская-10. Ковчег XXI века».
Сегодняшняя экспозиция, посвящённая буйному духу независимых творцов, точно не может остаться незаметной — фасад здания, облицованный алыми деревянными досками, ярко выделяется среди общей архитектуры и удивляет ещё до того, как попадаешь в культурную институцию.
Читайте также
На входе уже буквально оказываешься на знаменитой Пушкинской улице — городской антураж воссоздают видеопроекции, уличные скамейки, искусственный газон и полноразмерная копия памятника Александру Пушкину. Он, как и всё вокруг, выкрашен в красный и покрыт белыми хаотичными пятнами. Такая стилистика повторяет официальный флаг «Пушкинской-10», созданный российским художником и искусствоведом Андреем Хлобыстиным. По одной из версий, ярко-красный цвет символизирует тоталитарную систему, а белоснежные круги — остатки свободы, включая малочисленных художников-нонконформистов. Некоторые посетители экспозиции иронично замечают, что такой дизайн уж больно похож на ядовитые грибы или старые советские чайники, которые были в квартире, наверное, у каждого. Кстати, когда-то похожий концепт с белыми горошинами на алом фоне Хлобыстин предлагал в качестве нового флага России.
Все выставочные работы будто спрятаны внутри огромных боксов — так негласное искусство пряталось от власти. Образом объединения андеграундного арт-сообщества стал как раз «Ковчег XXI века», придуманный художниками Юлием Рыбаковым и Сергеем Ковальским. Модульные конструкции, напоминающие грузовые контейнеры, скрывают за собой целые пласты творчества знаменитых художественных группировок.
«Квартирное бытование “неофициального” искусства Ленинграда 60-70-80-х годов перетекло в 90-е годы в один дом, который уже стал реальным “Ковчегом” для всех, кто устремился к предполагаемым свободам и свету XXI века».
Газаневская культура
Синтез двух ленинградских выставок во Дворце культур имени И. И. Газа (1974) и во Дворце культуры «Невский» (1975) создал основу Газаневской культуры или «Газаневщины». За экспозицией, развернувшейся в ДК им. И. И. Газа в декабре 1974, пристально наблюдали не только зрители, но и милиция и даже КГБ. В дни открытия люди стояли 5-6 часов в очереди на морозе, а на осмотр работ отводилось всего 20 минут — это примерно 6 секунд на картину! За ограничением по времени действительно строго следили: за три минуты до завершения сеанса начиналась «эвакуация зрителей из зала». Помогать сотрудникам милиции поспешно «выталкивать» посетителей приходилось даже самим художникам.
Так состоялась первая легальная выставка несанкционированного искусства в городе. Подготовка к ней шла тоже напряженно. Анатолий Басин, один из участников той экспозиции, вспоминал, что окончательный список допущенных художников огласили лишь вечером накануне события. Проверяли паспорта и прописку – выставляться могли только ленинградцы. Неопытные участники, испугавшись КГБ, снимали свои работы с экспозиции.
Последующий вернисаж в «Невском» прошел в сентябре 1975 года в уже более спокойном формате, без каких-либо временных ограничений. Да и сама выставка была в два раза больше. Для справедливого отбора работ сформировали специальный выставочный комитет: четыре художника от «неофициалов» и по два представителя от Ленинградской организации Союза художников (ЛОСХ) РСФСР и Управления культуры. Такой подход привлекал к участию в выставке всё больше независимых мастеров. Тогда они смогли добиться права голоса в общественном пространстве. «Газаневщина» показала зрителю настоящее искусство андеграунда, став особым этапом в эволюции всей советской культуры.
Арефьевский круг
«Орден нищенствующих (или непродающихся) живописцев» и «Последние импрессионисты» — это про «Арефьевский круг», состоявший из художников Александра Арефьева и его друзей: Рихарда Васми, Валентина Громова, Владимира Шагина и Шолома Шварца. Этот творческий альянс собрался ещё в конце 1940-х. Тогда молодые ребята (на тот момент всем было 14-16 лет), только что отчисленные из Средней художественной школы при Академии художеств, решили объединиться, чтобы изображать мир таким, каким его видят именно они. Арефьевцы отличались своим формалистическим представлением реальной действительности. Для них главенствовали цвета, текстуры, экспрессивные линии, а за реализмом оставался лишь социальный контекст. Непривычные в исполнении, полотна демонстрируют весьма обыденные картины советской жизни: «Мама с дочкой» (В. Шагин), «Натюрморт с молотком» (Шварц), «Рыбацкий поселок в Стрельне» (Васми) или самая обычная «Лестница» (Арефьев).
Изображение: Работа художника Владимира Шагина «Мама с дочкой» (1999 г.)
Пристанищем непонятых творцов стала квартира поэта Роальда Мандельштама, где единомышленники собирались вместе, а спасительным «ковчегом» их работ спустя годы оказалась именно «Пушкинская-10». До этого картины арефьевцев выставлялись мало, в основном на небольших квартирниках. Живописцы совсем не гнались за признанием и, как сказал бы Станиславский, поистине «любили искусство в себе, а не себя в искусстве». Творчество было их живым увлечением, поводом отвлечься от реальности, где неофициальным художникам приходилось работать грузчиками, дворниками и малярами. Однако постепенно Арефьевский круг становился более узнаваемым. И если сам Александр Арефьев, а потом и другие участники группировки организовывали даже персональные выставки, то, например, Рихард Васми, старался всячески избегать этого, а Шолом Шварц и вовсе так и не выставил ни одной своей работы до конца жизни.
Арьефьевцев можно назвать одними из первопроходцев ленинградского нонконформизма. Их идеи и принципы творчества повлияли на развитие независимого искусства в нашем городе и стали ориентиром для следующих поколений.
Изображение: Работа художника Андрея Кузьмина, участника группы «Митьки» с 1987 по 1992, «Служили два товарища»
Митьки
Творческая группа «Митьки», со временем выросшая в целое культурное движение и получившая популярность в 90-е, по-прежнему остаётся особым брендом Петербурга. Первые свои выставки они начали организовывать в 1984 году, когда ещё не являлись как таковой группировкой. Их добродушное название появилось позже — по одной из версий, в честь уменьшительной формы имени Дмитрия Шагина, художника и члена творческого объединения. Отец Дмитрия — Владимир Шагин — был участником «Арефьевского круга» и художественным наставником для сына и его друзей. Неудивительно, что Шагин-младший с «братушками» и «сестрёнками» (так «Митьки» часто называли друг друга) стремились следовать творческим основам арефьевцев.
Вдохновение они снова ищут в окружающих реалиях. Картина Александра Флоренского «Семья» — это классический пример бытового портрета, похожий на старые общие снимки в семейном альбоме. Во всех деталях угадывается интерьер типичной советской квартиры: деревянный шкаф с резными дверцами, фотографии в рамочках на стенах и полках, покрытая толстым слоем белой краски дверь со стеклянными вставками.
Немаловажную часть творчества Митьков занимает и карикатурно-сатирическое изображение, но всё же простодушное и честное. Верховенство добра и любовь к миру всегда оставались опорой философии этой исключительной петербургской субкультуры.
Стерлиговцы
Свою «Домашнюю академию» — объединение последователей собственной теории — Владимир Стерлигов основал в 1960-е годы. «Последний художник классического русского авангарда», так Владимира Васильевича называл искусствовед Евгений Ковтун, учился у Казимира Малевича. К легендарному чёрному квадрату мастера художник добавил новую форму — купол. По легенде, Стерлигов рисовал на Крестовском острове и заметил кривую, которая сформировала перевёрнутую чашу. Это наблюдение легло в основу нового принципа построения композиции.
Владимир Стерлигов был глубоко верующим человеком, и чаше-купольное пространство стало для него не просто художественным нововведением, а объяснением устройства мироздания. В этом мастер видел особую роль Духа, что отражалось и в работах его единомышленников. Стерлиговцы верили, что всё вокруг воодушевленно божественным светом, поэтому некоторые их картины отличительны светлой гаммой и религиозной тематикой. Так, на многих полотнах прослеживается образ Троицы – одноимённая картина Елизаветы Александровой, «Умиротворение» Ларисы Астрейн. Ученики доверяли видению педагога, но каждый трактовал его замыслы по-своему, при этом сохраняя в своих работах нечто идейно-родовое, что так или иначе сближало всех воспитанников стерлиговского круга.
Сегодня объединение занимает особое место в культуре андеграундного Петербурга. Их работы регулярно участвуют в выставках неофициального искусства, начиная от Газаневского времени и заканчивая современными экспозициями в «Пушкинской-10».
Творческий сквот
На втором этаже разграничения между художественными группировками и направлениями стираются. Здесь всё объединено порывом к экспериментам. Посетителей удивляют, а иногда и немного пугают, полотна с объёмными конструкциями, инсталляции из подручных средств (алюминиевых столовых приборов, санитарных бахил или поломанных кукол), статуи из проволоки, интерактивные арт-объекты с подвижными механизмами.
Отдельные боксы посвящены искусству ключевого медиа нового времени — фотографии. Тени и силуэты дворового Петербурга 90-х годов на снимках Александра Соколова, железнодорожная тема из цикла «Паровозы» Игоря Рийк, Казанский собор на ладонях — часть серии Андрея Чежина «Город на ощупь». Эти и ещё десятки фото, коллажей и графических работ когда-то хранились в объединённой коллекции галереи «Фотоimage», постоянная экспозиция которой располагалась в культурном центре на Пушкинской.
Часть пространства современной выставки в «Манеже» занята документальной фотографией. Репортажная съёмка запечатлела встречи художников, квартирники, общие собрания членов Товарищества экспериментального изобразительного искусства (ТЭИИ). Нельзя пройти мимо и портретной аллеи — здесь собраны изображения лучших мастеров разных поколений.
Изображение: Александр Рец. Автопортрет
«Фотопоэт», как он сам себя называл, Александр Рец учился в Ленинградском институте культуры, вольнослушателем посещал курсы Академии художеств им. И. Е. Репина, а потому любил искусство во всех его проявлениях. В 1993 году он стал членом Товарищества «Свободная культура», жил в творческом сквоте и работал на «Пушкинской-10», где участвовал во многих перформансах. Рец был, можно сказать, фотографическим биографом арт-центра, снимал быт и устройство легендарного дома изнутри. В его объектив попадали Вадим Воинов и Евгений Орлов в своих мастерских, Геннадий Устюгов за работой, Евгений Тыкоцкий на заседании Товарищества.
Выставочный блок фотографии символично завершает работа Олега Подгурского «Фестиваль независимого искусства — 2004». Тогда отмечались 15-летие культурного центра «Пушкинская-10» и 30-летие выставки в ДК Газа, которая вывела ленинградских нонконформистов из подполья. Фотоколлаж захватил важнейшие лица мастеров, повлиявших на становление петербургского андеграунда как феномена не только советско-российской, но и мировой культуры независимого искусства.
Новая экспозиция «Пушкинская-10. Ковчег XXI века» разукрасила «Манеж» не только снаружи, но и внутри. Яркая, дерзкая выставка рассказывает сложную историю становления городского нонконформизма и одновременно с этим передает бунтарский драйв и свободу всего андеграундного творчества.
Фото: Юлия Курдова
https://sub-cult.ru/chtivo/statji/14670-pushkinskaya-10-pereekhala-v-manezh#sigProIdc5903fa7da
Понравился материал? Подпишитесь на нас в VK, Яндекс.Дзен и Telegram.
