Как звучит космос? По сути, никак — это же безвоздушное пространство, неспособное пропускать звук. Тем не менее при слове космос в сознании нет-нет да и появится звуковое сопровождение, будь то звуки бластеров, медитативная электроника или оркестр Джона Уильямса. В музыкальной сфере за 50 лет более-менее сформировалось представление о том, что такое космическая музыка. Мы спросили современных электронных композиторов о космической музыке и какой они её себе представляют. Но перед этим попробуем сами немного разобраться в том, как же должен звучать космос.

Термин «космос» или space можно разобрать на три значения. Во-первых, это пространство. О пространстве в музыке начали задумываться ещё с незапамятных времён, а термин «пространственная музыка» (на немецком raummusik) появился в 1928 году благодаря композитору Роберту Бейеру.

В 50-х уже другой немецкий композитор Карлайнц Штокгаузен, работая в области пространственной музыки, начинает создавать произведения, которые у слушателей ассоциируются со звёздами и пространством вне орбиты нашей планеты. Используя всяческие звуковые немузыкальные устройства вроде транзисторов и радиоприёмников, Штокгаузен сам начал употреблять свой raummusik уже в контексте музыки из вселенских глубин. Именно в таком значении и продолжит развиваться электронная музыка, пытаясь быть всё дальше от Земли. Став сопровождением ко множеству произведений о космосе, именно синтезаторное звучание станет визитной карточкой космической музыки в привычном понимании.

Карлайнц Штокгаузен

Наконец, о космосе в его исконном значении как упорядоченного мира (космос переводится с древнегреческого как «гармония») начали говорить с приходом популярности индийской культуры в 60-х годах. Тогда же появляется жанр психоделического рока, пытающийся передать опыт трансцендентности. Вся эта перенятая с Востока философия расширения сознания и существования мира за рамками человеческой телесности отлично сочеталась с мечтами фантастов о жизни на других планетах, что привело к созданию космического рока. Жанр вмещал в себя как психоделическое звучание, так и футуристичные синтезаторные пассажи.

Но не все считали подобные эксперименты удачными: композитор Петер Михаэль Хамель критиковал попытки электронных музыкантов реализовать космическое звучание, так как они в принципе не способны передать никакой трансцендентный опыт через синтезаторы, в отличие от восточной традиционной музыки, где издавна развился подход к музицированию как к процессу расширения сознания без применения психоделических веществ. В итоге космическая музыка в нынешнем виде вбирает в себя весь «космос», со всем его пространством, потусторонностью и гармоничностью.

Как современные музыканты воссоздают в своём звучании вселенское пространство

Как вы создаёте звук, который ассоциируется с космосом?

Олег Гуртовой, композитор космической музыки
Я использую в своём творчестве в большинстве классические приёмы музыкальной выразительности. Например, исторически сложилось, что звучание аналоговых винтажных синтезаторов со стопроцентным попаданием будет у нас ассоциироваться с космическим холодом и мерцанием звёзд. А если добавить звуки синтезаторов из 80-х и смешать их со ставшими классикой звуками первых моделей E-MU Emulator и далее в таком же ключе — получится очень интересно и увлекательно. Хотя есть один яркий пример, который я всегда привожу, если меня спрашивают — так что же есть истинная «космическая музыка»? Гениальный Стэнли Кубрик в своём фильме «Космическая Одиссея 2001 года» — а на то он и гениальный, что делал гениальные по простоте и воздействию вещи — показывал кружащиеся в космосе корабли под вальсы Штрауса. Так он решил вопрос с космической музыкой в своём кино — и выглядит это парадоксально потрясающе!

Анджей Кравцов, композитор и исполнитель электронной инструментальной космической музыки
Космический звук может быть создан не только синтезаторами, но и симфоническим оркестром. Вы просто послушайте саундтреки к таким фантастическим фильмам, как «Стартрек», «Звёздные войны», «Мегаладон», «Поле битвы — Земля» и так далее — и вы поймёте, о чём я. В данном случае создаётся не столько звук, сколько определённая и очень сильная атмосфера, которая напрямую зависит от качества содержимого композиции.

Также, когда речь идёт о космической музыке, которая создаётся на синтезаторах, то там несколько больше возможностей. Наряду с качеством музыкального содержимого мы можем использовать звуковую обработку. Если оркестр почти не обрабатывается и его звучание берётся таким, какое оно есть, то синтезаторная музыка обрабатывается, и способов её обработки — достаточно много. В основном задача композитора при помощи доступного ему инструментария, который состоит как из самих музыкальных идей, так и из применяемых технологий обработки, «нарисовать» законченную картинку, которая ассоциировалась бы у человека с холодом космического вакуума, к примеру, или с видом прекрасной цветущей голубой планеты в недрах галактики, и это будет разный космос. Один будет холодным и враждебным, а второй будет нежным, чистым и ласково-мелодичным. Я приемлю для себя оба способа.

Denny Kay, российско-британский музыкант, продюсер, владелец музыкальных издательств
Это очень просто: все знают, как звучат скрипка, гитара, флейта, виолончель, знают, как они выглядят, и примерно представляют, какую музыку на этих инструментах можно исполнить. Я же создаю инструменты, у которых нет никакой предсказуемости. Синтезаторы позволяют создавать, синтезировать из шума несуществующие музыкальные инструменты, весь саунд-дизайн основан именно на этой идее. Это изначально фантастические инструменты, которые издают инопланетные звуки. А при вложении в технологию человеческую душу и эмоции — эта музыка может быть красивой, как звёздная туманность, или холодной, как бескрайняя пустота космоса, может звучать как льющаяся река с другой планеты или как рычащий монстр какой-нибудь кошмарной параллельной вселенной. Всё это, абсолютно всё, зависит от воображения самого композитора и воображения слушателя. Это симбиоз воображений.

Почему вы решили писать космическую музыку?

Олег Гуртовой
Всё наше творчество идёт из детства. Музыкой я был окружен лет с двух. Музыка была всякая разная: от американского джаза до советской эстрады. Но где-то годам к восьми я услышал тот самый Magic Fly, затем другие композиции от группы Space, потом были Kraftwerk, Jean Michel Jarre — куда было без него — Alan Parsons и далее по списку. В детстве и юношестве я переиграл абсолютно разную музыку — от русской народной до блюза и хэви-метала, но когда у меня появилась своя студия — пришло время записать то, что было в голове все эти годы — так появился альбом «Восхождение».

Анджей Кравцов
Почему? Люблю науку. Я вчерашний мальчишка, который мечтал стать космонавтом и увидеть первые межзвёздные перелёты. Я романтик старой школы, когда сердце замирало при виде ракеты или самолёта. А потом, позже, я осознал, что являюсь инструментом прекрасного, потому что слышу его и могу записать.

Позже появилась и любовь к классике, в которой тоже очень много космоса или чего-то ещё более таинственного и красивого. Серьёзно писать музыку я начал очень поздно, только в 19 лет, и уже сразу знал, что это будет именно космическая музыка, потому что она позволяет фантазировать о прекрасном, о чём-то неземном, о других мирах, которые очень хочется познать. К этому времени я уже знал первых космических композиторов, таких как Жан Мишель Жарр, Дидье Маруани, Янис Лусенс, Китаро и множество других. Постепенно пришло осознание, что всё это — не просто космическая музыка, это в первую очередь — инструментальная музыка, очень, очень эмоциональная.

Космическая музыка развивалась несколькими параллельными путями, взять тех же немецких композиторов, таких как Клаус Шульц, Анугама, Карунеш, это известные на весь мир композиторы new age, так называемые. Они привнесли в инструментальную музыку что-то особенно возвышенное, духовное, потому как творили в ашраме Ошо. Я не поклонник Ошо, но те люди были вдохновлены его учением по-настоящему, а потому выдавали настоящую музыку, эмоциональную и красивую.

В конце концов это привело меня к мысли, что, чтобы стать композитором, нужно в первую очередь стать самим собой, сбросить все эти маски, которые на нас напяливает социум и обнажить свою настоящую душу, и только тогда человек может быть настоящим композитором, ибо тогда он действует искренне и создаёт нечто действительно уникальное. Этому нельзя научить, это целый, если хотите, духовный путь, который можно постичь только самостоятельно, поскольку это такой же творческий процесс. А ведь, даже Римский-Корсаков говорил, что творчеству научить невозможно. У каждого композитора этот путь очень уникальный и протекает по-особенному. Космическая музыка ассоциируется у меня с Богом, именно поэтому я и стал её создавать, ибо это — связь с прекрасным, которую сложно достичь другими способами.

Denny Kay
Будучи подростком, я рос во время взрыва мощнейшей субкультуры воображения и мечтаний о космосе. Советская фантастика и с трудом прорывающаяся в Советский Союз американская фантастика вдохновила меня на то, чтобы стать музыкантом и писать космическую музыку. Кто-то мечтал стать космонавтом, а мне казалось, что я нашел путь в космос намного короче — это путь во внутренний космос, в космос воображения.

Какие произведения и каких авторов вы считаете самыми важными для развития космической музыки?

Олег Гуртовой
Конечно, Дидье Маруани — величайший мелодист и тончайший музыкант. Его вклад в космическое музыкальное направление сложно переоценить. Очень нравится Эдуард Артемьев, к сожалению, покинувший нас совсем недавно.

Анджей Кравцов
Для развития космической музыки я считаю особенно важными таких композиторов, как Жан-Мишель Жарр, Дидье Маруани, их не так много в мире. В России — это мои друзья, такие как Олег Гуртовой, Павел Некрасов, Константин Кайханиди. Это в плане электронной музыки, а в плане симфонической, наверное, Джерри Голдсмита и его последователей, которых мы все слушаем, когда смотрим голливудские космические блокбастеры. На самом деле, оркестровых композиторов намного больше, потому что они более востребованы, чем электронные.

Denny Kay
Классическое советское и американское фантастическое кино, такое как «Солярис» и «Космическая одиссея 2001 года», служили источником вдохновения для этого стиля музыки и целого поколения артистов. В фильме «Солярис» режиссера Тарковского музыкальные композиции Эдуарда Артемьева создавали ощущение пространственности и таинственности. Он использовал аналоговые синтезаторы, чтобы создать звуковые ландшафты, словно погружая зрителя в безграничные просторы космоса. «Сто дней после детства» — в этом фильме режиссёра Сергея Соловьёва, повествующем о войне с неизвестным врагом, музыкальное сопровождение Игоря Ленина было создано с использованием аналоговых синтезаторов. Звуки электронной музыки помогли подчеркнуть непривычность и опасность враждебной среды, в которой оказались герои фильма.

Клубная и рейв культура также сыграли важную роль в распространении электронной музыки и её восприятии как космической. Клубы стали местом, где люди сходятся, чтобы испытать объединяющую мощь музыки и окунуться в энергетическое пространство, создаваемое электронными звуками. Ночные клубы стали площадками для трансцендентального опыта, где слушатели погружаются в ритмы и звуковые пейзажи, которые переносят их в иные сознательные состояния. Часто вечеринки и концерты с андеграунд электроникой оформляют как некие абстрактные космические корабли, используя для этого ультрасовременные виды авангардного искусства и новейшие разработки в световом оформлении музыки. Очень важно понимать, что настоящие андеграунд мероприятия не имеют ничего общего с дискотеками — где есть диджей, помещение и громкие колонки. Настоящие рейвы — это масштабные события, совмещающие в себе все виды современных искусств, и всегда, абсолютно всегда, ассоциация с музыкой и оформлением — это космос.

Также мы поговорили о прошлом и будущем космической музыки с Валерием Мифодовским

Валерий Мифодовский — эксперт в области креативных индустрий и стратегий позиционирования, продюсер и владелец нескольких лейблов.

— Почему синтезаторы стали ассоциироваться со звуком космоса?
— Первые синтезаторы удивляли своим необычным звуком ещё со времен 20-х годов, когда в России появился абсолютно уникальный инструмент — терменвокс. Его звучание сложно было ассоциировать с любым известным инструментом или природным явлением, и вполне логично, что музыку, созданную на нём, воспринимали как «неземную». Также стоит вспомнить, что сама идея современных синтезаторов опирается на классические органы, которые также были призваны иллюстрировать божественную тему, отправляли слушателя за пределы обыденного мира. Так что ассоциация с внеземной музыкой и синтезаторами давняя, и в момент расцвета инструмента с появлением компактных моделей типа Minimoog в 70-х годах можно считать, что место в сознании людей было уже подготовлено. Именно в этот период происходит появление таких ярких музыкальных явлений, как psychedelic, space rock и krautrock, исследующих ментальные пространства разной степени удаленности от обычного мира. Немалую роль в становлении синтезаторов как космического инструмента сыграло и кино. Композиторам, работающим с жанром фантастики, очень органично было искать новый звук за пределами традиционных оркестров, и тут синтезатор пришёлся очень кстати.

— Может ли быть какое-то развитие у космической музыки или этот жанр исключительно ностальгический?
— Я считаю, что, конечно, может, несмотря на то, что основные артисты жанра давно прошли пик общественного внимания. Сейчас, благодаря новым технологиям и инструментам, появляется огромное количество свежего материала в старом жанре ambient, который по своей природе лишен мелодий и прямолинейного «полётного» изложения, присущего традиционной космической музыке. Однако он способен давать совершенно космические впечатления, иллюстрируя действительно холодный и дальний космос, который чужд человеческой природе. Эта музыка не стремится понравиться и усладить слушателя иллюстрацией полёта на звёздолете, её задача иная — погружать в пространство другого, часто враждебного мира. И то, что эти миры могут быть совсем не комфортными для многих слушателей, является серьёзным ограничением для массового интереса к жанру. Тем не менее мне кажется, что на стыке старой мелодической школы и нового, очень качественного и тембрально богатого ambient и drone звучания, вполне могут появиться интересные работы и артисты, способные совмещать и традиционное изложение, и глубокое погружение в рамках одного музыкального произведения. На лейбле Spiralmind мы такие экспериментальные релизы и выпускаем.

В честь 70-летия Дидье Маруани компания Zvonko Digital и лейбл Sonic Space официально вернули музыку коллектива на российские стриминги.

Добавить комментарий