Ещё в начале прошлого столетия столица Франции стала одним из главных мест притяжения творческих сил в мире. Художники съезжались сюда со всего европейского континента и не только, объединялись, обживали целые кварталы города — район бульвара Монпарнас и площадь «Тертр». Париж дарил возможность как обучаться техникам классического рисунка и продолжать традиции великих живописцев, так и проявлять себя в новых авангардных направлениях — кубизме, абстракционизме, фовизме и многих других «измах». Здесь постоянно открывались новые салоны, выставки и галереи, работали художественные учебные заведения: официальная Школа изящных искусств, частные Академии Гранд-Шомьер и Жюлиана.
В 1904 году во французскую столицу переезжает испанец Пабло Пикассо. Именно с этого момента и принято условно отсчитывать начало Парижской школы. Этот термин в 1925-м предложил критик Андре Варно, а позже такое наименование стало общепринятым. Если сначала в состав Парижской школы исследователи включали только «иностранцев» среди которых Ван Донгена, Пикассо, Сутина, Модельяни, то позже к ней относили уже и Матисса, и Дюфи, и других французов. После окончания Второй Мировой войны столица Франции снова оказалась крупнейшим культурным центром Европы. Новую волну художников стали называть второй Парижской школой.
Проект «Шедевры мастеров Парижской школы» включает в себя множество графических работ представителей обоих периодов. Коллекцию из около 100 подлинников собрала команда петербургской галереи современного искусства Bashmakov Gallery. Тематически экспозиция разделена на шесть отдельных блоков. Передвижная выставка уже побывала в Екатеринбурге, Перми, Томске, Саратове, Туле, а этим летом добралась и до Рязани. Здесь она расположилась в областном художественном музее И. П. Пожалостина — одного из самых выдающихся художников-гравёров Рязанской губернии.
Мой Париж
В этом сегменте собраны чувственные зарисовки столицы Франции. Гравюра «Площадь Вогезов» в непривычно реалистичном исполнении от Сальвадора Дали, «Набережная Турнель» Марка Шагала, Михаил Шемякин и его метафоричный «Лист №4» из серии «Чрево Парижа».
Читайте также
Постимпрессионист Морис Утрилло вдохновлялся самыми знаковыми местами города на Сене — «Площадь Тертр», «Эйфелева башня», «Триумфальная арка. Елисейские поля». Мать Мориса — Сюзанна Валадон, натурщица, позировала для французских мастеров, таких как Огюст Ренуар, Анри де Тулуз-Лотрек и Эдгар Дега.
Профессиональными кумирами Утрилло были Камиль Писсарро и Альфред Сислей. Видимо неслучайно в его работах прослеживаются схожие художественные черты: нежная палитра и мягкие природные силуэты. В 1920-х пейзажист получил мировое признание, сотрудничал с известным русским меценатом Сергеем Дягилевым.
Россия — Франция
Блок посвящён русским художникам, в своё время перебравшимся в страну Сезанна. Здесь можно рассмотреть не самые приметные на первый взгляд, но интересные своей историей, гравюры Марка Шагала к поэме «Мёртвые души». Этот цикл офортов раскрывает известного авангардиста с новой для массового зрителя стороны — как художника-иллюстратора. Для создания графических работ по гоголевским мотивам Шагал отошёл от полуфантастических сценариев и глубоких цветов — все изображения больше похожи на простые карандашные рисунки.
Иллюстрировать русскую литературную классику живописец согласился по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Изначально арт-дилер предлагал оформить издание французской прозы, но Марк Захарович выбрал произведение одного из своих любимых писателей Николая Гоголя. Вдохновением для создания офортов частично стали воспоминания Шагала о родном Витебске, очертания которого можно заметить на изображениях. Несмотря на то, что в 1922 году мастер покинул Россию, он продолжал поддерживать отечественную культуру и позже «со всей любовью русского художника к своей родине» передал данную серию из 96 гравюр Третьяковской галерее.
Изображение: «Матисс. Парижский Танец», книга-каталог выставки в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге, проходившей с 21 мая по 15 августа 2004 года
Душа Цирка
В конце XIX — начале XX века конные цирковые представления были одним из главных развлечений парижской интеллигенции. И хотя первые прообразы цирка появлялись ещё в Древнем Риме, а позднее и в Англии, этот вид артистического искусства «расцвёл» именно во Франции и очень скоро стал особенной частью национальной культуры.
Яркие графичные трафареты по мотивам циркового представления, созданные художником Анри Матиссом, вошли в его авторскую иллюстрированную книгу «Джаз», вышедшую в 1947 году. Разворот «Цирк» с 1968-го хранился в музейном фонде Государственного Эрмитажа, а сейчас его можно увидеть здесь, среди работ Жоржа Руо («Чёрный Пьеро», «Балерина»), Пабло Пикассо («Цирковая лошадь») и Фернана Леже («Воздушные гимнасты», «Клоуны и акробаты», «Дрессировщик и лошадь»), также запечатлевших цирк в своём творчестве.
Но не всем художникам цирковые сюжеты представлялись красочными и весёлыми. Литография Джорджио де Кирико «Одиночество людей цирка» иллюстрирует короткий художественный рассказ Франца Кафки «На галерее». Настроение картины передают тусклые песочные и сероватые оттенки, а также непосредственно сам сюжет: человек плачет в шатре с разбросанными на переднем плане цирковыми атрибутами.
Линия. Форма. Цвет.
«Цвет — это клавиши, глаз — молоточек, душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу», — писал Василий Кандинский. Именно он как один из основоположников абстракционизма возглавляет этот экспозиционный отдел. Непредсказуемые линии, отсутствие формы в привычном понимании и самое настоящее буйство цвета — всё это отличало творческий метод Кандинского и легло в основу нового принципа абстрактного изображения, которому позднее следовали многие художники, в том числе и европейские мастера.
В 1911-м один из лидеров живописной абстракции основал творческое объединение «Синий всадник», первая выставка которого тогда проходила в галерее Генриха Таннхаузера в Мюнхене. Там можно было увидеть картины самого Кандинского, а также Франца Марка, Альберта Блоха, Августа Макке и Робера Делоне.
Кстати, работы жены Робера, не менее известной художницы Сони Делоне-Терк, сейчас тоже представлены на выставке «Шедевров мастеров Парижской школы» — иллюстрации в технике цветного пошуара к сборнику стихотворений французского поэта Артюра Рембо «Озарения». Соня Делоне прославилась не только как рисовальщица, но и как успешный дизайнер, во многом благодаря своему тонкому чувству сочетания цвета и формы, что помогало ей в создании запоминающихся и в тоже время предельно гармоничных тканевых принтов для кутюрной одежды.
Изображение: фрагмент издания «Страсти Христовы»
Великие Книги Человечества
История книгопечатания неразрывно связана с развитием книжной графики — её справедливо можно назвать отдельным видом искусства. В ХХ веке гравюра ориентировалась на романтизм, в частности на работы предводителя французского романтического направления Эжена Делакруа.
Один из самых популярных художественных деятелей Франции в 1950–60-е года — Бернар Бюффе. Его фирменный мрачный стиль (так называемый мизерабилизм) точно попадал в общие настроения послевоенного времени. Полотна художника основывались в частных коллекциях Софи Лорен, Кристиана Диора и Альфреда Хичкока.
В 1954 году график создаёт серию иллюстраций к тексту «Страсти Христовы». Бюффе находит параллели между библейскими сюжетами и мировыми событиями своего времени. Изнемождённая фигура Иисуса напоминает истощённых жертв концлагерей, окружающая обстановка лишена религиозной атрибутики, но походит на скромные пейзажи ещё недавно оккупированной Франции.
А рядом на стене расположена жизнеутверждающая «Божественная Эрато» Сальвадора Дали — иллюстрация к изданию античной поэмы Овидия «Наука любви». Провокационный художник считал любовь «единственным достойным занятием в человеческой жизни» и искал вдохновение в страстно-нежном чувстве.
Мир Природы
В этой малой части экспозиции продолжается тема Дали. Специально для первого издания артбука Fleurs RêVées гениальный испанец создал литографию «Ананас» (L'ananas) в своей неповторимой сюрреалистической манере — изображение экзотического фрукта словно связано из цепочек глаз.
Ещё одна яркая работа, мимо которой сложно пройти — «Деревня Эрувиль» Мориса де Вламинка, одного из основоположников фовизма как течения в искусстве. Художник-самоучка, он пробовал себя в разных техниках и жанрах, но постепенно его любимым форматом стал пейзаж. Французский живописец часто путешествовал по стране, зарисовывая её отдалённые, но не менее прекрасные провинции.
Изображение: Сальвадор Дали, «Ананас» (L'ananas) из «Цветы мечты» (Fleurs RêVées). Сухая игла, литография. 1970 год
В ХХ веке печатная графика стала огромным пространством для экспериментов среди многих мастеров. Литографии и ксилографии, офорты и гелиогравюры — художники осваивали новые для себя методы рисования, позволяющие выйти за рамки привычного. Вместе с этим стремительно развивалось мировое культурное сообщество, в особенности в Париже. Здесь искусство тесно переплеталось с литературой, модой, музыкой и кино, образовывая настоящий творческий феномен, который позже назовут Парижской школой. Интернациональное сообщество художников открыло дверь модерна ХХ века и показало, что можно смело работать с любой формой и не бояться выйти за пределы устоявшихся представлений о прекрасном.
Понравился материал? Пожертвуйте любую сумму!
А также подпишитесь на нас в VK, Яндекс.Дзен и Telegram. Это поможет нам стать ещё лучше!
