II международная биеннале «Искусство будущего», посвященная взаимодействию искусства, науки и инновационных технологий, в Мультимедиа Арт Музее, Москва продлена до 13 сентября 2026 года. Экспозиция расположилась на 7 этажах музея и объединила художественные проекты, созданные с использованием искусственного интеллекта, робототехники, 3D-печати, генеративных систем и цифровых медиа.
Некая темная субстанция вертится без остановки, изменяется, растекается и собирается вновь в причудливую форму. Она двигается по известному только ей алгоритму и никогда не собирается в фигуру, которую было бы просто описать. Она вызывает головокружение при долгом просмотре. Она едва отражает свет. Так выглядит кинетическая скульптура художницы Julia Chimera (Юлия Химера) «Темная материя», непрерывно движущаяся в одном из залов МАММа. Она не является метафорой с прямой трактовкой, но как будто бы именно этот, не самый заметный экспонат может помочь «Искусство будущего».
С 6 марта в Мультимедиа арт музее в Москве проходит Вторая международная биеннале «Искусство будущего», на котором представлены работы более 35 художник из разных стран. Выставка позволяет не только познакомиться с работами авторов, осмысляющих современность – да, именно современность, а не некое абстрактное будущее – но и выделить некоторые тенденции в современном искусстве, значительно изменившимся с приходом новых технологических возможностей.
Источник фото: пресс-служба галереи
Чтобы разобраться с идеями, предложенными на выставке, придется ввести в разговор два понятия – деантропоцентризм и дегуманизация. Если первое заявляет о «конце человеческой исключительности» и является важным аспектом современной философии, то второе – психологический и социальный процесс, при котором отрицается полноценная человечность отдельного индивида или группы людей. Оба этих явления оказываются ярко отражены в продемонстрированных в стенах МАММа работах, однако если деантропоцентризм вводится в диалог со зрителем намеренно – как это делает Андре Свибович в инсталяции «Dendrosonic» («Деандросоник») – то в дегуманизации художники зачастую словно бы и не отдают себе отчет.
Читайте также
Упомянутый «Dendrosonic» вообще является одной из ярчайших работ биеннале. Инсталляция задействует слух, зрение и осязание зрителя. Перед нами предстает проекция, созданная с помощью фотограмметрического сканирования на основе близких снимков земли и стволов деревьев. Громкий звук, записанный сверхчувствительными микрофонами, напоминает экспериментальную музыку, в то время как платформа под ногами посетителя вибрирует. Художник, создавая экспонат, который трещит, кричит, мигает и трясется, пробует открыть зрителю область жизни природы, доступную человеку только благодаря технологическому посредничеству. Проекции на стенах значительно больше посетителя, и тем самым Свибович меняет местами человека и объект природы. Нам приходится смотреть вверх, чувствовать себя буквально внутри инсталляции, быть поглощенными ею.
Возможности использования природных материалов в цифровой среде становятся темой для рассуждения еще нескольких художников биеннале. В особенности авторам полюбился такой материал, как цветы. Джульетта Тарраубелла в «Тайной жизни цветов» создает кибернетический сад, когда на экранах демонстрируются записанные видео увядающих цветов, вечно заканчивающих свой жизненный цикл и возрождающихся.
Источник фото: пресс-служба галереи
И все же на выставке есть тема, к которой авторы обращаются намного чаще, чем к природному мотиву. Ярко заметно повсеместное использование художниками нейросетей, однако не всегда оно оказывается более изобретательно. Абсолютно объясним позыв авторов осмыслить современность актуальными методами, вот только обращение к ИИ как к творческому инструменту, если и было чем-то новым и вызывающим интерес несколько лет назад, сегодня вызывает скепсис у многих зрителей и самих художников. Поэтому в сети можно увидеть разъяренные споры сторонников использования новой технологии в искусстве и радикальных этому противников.
В итоге, на выставке можно увидеть, как используется самый популярный эстетический эффект ИИ – «эффект зловещей долины». Милагрелия (Виктория Гурова) в «Семье, которой нет» и Полина Савина в «Самозванцах», работах, находящихся в одном зале, проделывают один и тот же трюк с созданием нейросетями портретов никогда не существовавших людей – что уже много раз проделывалось и иностранными художниками, и энтузиастами в сети. Действительно выделяющийся экспонат этой «зловещей долины» современного искусства – «Нейрочадо 2.0 и архив наследственности» Елены Демидо-вой и Максима Калмыкова. Выделяется он не столько особыми художественными свойствами, сколько своей будочностью и наиярчайшим примером дегуманизации. Сочувствие к авторам вызывает история появления проекта (проблемы семейной пары с фертильностью и невозможность завести ребенка), и рефлексия на эту тему вылилась в создание инсталляции в виде детской комнаты с изображениями несуществующего ребенка – того самого «нейрочада». Ребенок здесь предстает именно как идея и цель, а не как отдельный человек, формирующий собственную личность. Он – удобная картинка, которая будет говорить, то, что хотят родители, и существовать ровно столько, сколько им это будет удобно. То, как художникам удается дегуманизировать собственного несуществующего, но желанного ребенка и свести его именно что до идеи ребенка, до достижения и галочки в списке дел, вызывает неподдельный ужас. Если что-то на выставке и вызывает настоящий «эффект зловещей долины», так это «Нейрочадо 2.0». Подобные работы находятся где-то между полноценным авторским высказыванием и эксплуатацией: идеи, темы, социальной проблемы или даже собственной трагедии. Кажется, это понимают и кураторы и оформители выставки, поэтому в коридорах между залами зритель может увидеть светящиеся надписи, висящие на стенах. Это цитаты за авторством Стивена Хокинга, Габриэля Лауба и других мыслителей, а также – самого ИИ. Иногда эти цитаты вступают в конфликт, иногда соответствуют друг другу, но в общем и целом они скорее задают вопросы зрителю и его восприятию представленного на биеннале, чем высказывают какую-то позицию организаторов.
Источник фото: пресс-служба галереи
На контрасте с «Нейрочадом» можно рассмотреть работу Дмитрия Кавки «Событие», находящейся прямо напротив него в зале. Это серия изображений в разных техниках: GIF-анимация, карандашные и акварельные наброски. Художник самостоятельно обработал, доведя до абсурда и бесформенности, фотографии случайных людей из Интернета, а затем перенес получившееся на бумагу или монитор. В этой бесформенности все еще отдаленно угадываются сюжеты снимков, однако они оказываются настолько искажены, что наводят зрителя на мысль о дисторсии памяти и восприятия в цифровой среде. Кавка работает с предметами и феноменами реальности, обрабатывая их реальными методами и перенося на бумагу или экран. То есть художник возвращает события из жизни этих неизвестных людей обратно в реальность. Получается работа, сделанная человеком и рассказывающая про человека. Серия выполнена со страхом перед фактом неизбежного искажения памяти. особенно в цифровую эпоху, и с сочувствием к людям, поэтому становится действительно гуманистичной серией и выступает на контрасте с некоторыми другими работами на биеннале.
Одной из менее очевидных тенденций современного искусства, выделенных на беннале, является изменение целевой аудитории. Цифровая среда разрушает автоматику восприятия собеседника – зрителя – как человеческого субъекта и тем самым этот субъект дегуманизирует. Речь здесь не только о том, как художникам приходится подстраиваться под алгоритмы, чтобы продвигать себя в социальных сетях, но и о буквальном изменении зрительского состава, о чем говорится сразу в нескольких работах. Так, работа Даниила Сладкова и Яники Колобаевой «while(true) { exist(); }» («уайл(три) { экзист(); }»/«пока(правда) { существовать(); }») рассчитана на восприятие машиной. Другой экспонат выставки называется «Open for AI» («Опен фор Эй Ай»/«Открыто для ИИ»; игра слов с названием компании-производителя Чата ГПТ). На первый взгляд, простой художественный эксперимент, подобные работы на самом деле являются симптомом смены парадигмы мышления о зрителе обязательно как о человеческом субъекте.
Источник фото: пресс-служба галереи
Во всех этих переплетениях человеческого и машинного легко запутаться. Любопытно, как само пространство МАММа в этом случае сочетается с экспонатами. Длинные пустые коридоры, конца которым не видно, напоминают лиминальные пространства – а уж когда это едва освещенная пустая комната с замысловатым механизмом по центру («Lacrima» («Лакрима») Сергея Скурту и Олеси Ващенко), помещение тем более становится частью экспозиции и начинает создавать атмосферу безжизненности и отсутствия человеческого начала. Нечто подобное мы можем увидеть в любопытной видеоинсталляции Степана Терещенко и Monolesan «SANCTUM[green]» («САНКТУМ[грин]»). Заходя в зал, посетитель попадет в темную комнату, на стены которой проектируются яркие дезориентирующие диджитал-изображения неких движущихся пространств, отражающих самих себя и являющихся бесконечной рекурсией. В стенах залах находятся камеры, так что как только зритель заходит в помещение, его искаженное пиксельное изображение также появляется в этих кислотно-зеленых проекциях, прямо внутри альтернативного цифрового пространства. При этом лицо заменяется рамкой со случайным IP-адресом, как бы анонимизируя посетителя. Опыт нахождения в зале, эстетика которого напоминает одновременно дизайн ранних операционных систем и лиминальные пространства, дискомфортный и гипнотически завораживающий для посетителя. Визуально, вместе «SANCTUM[green]» и «Dendrosonic» наиболее точно отражают дух биеннале.
Количество видеоарта, представленного в стенах МАММа, можно даже считать за некий мета-комментарий. Экран – это уже не только важный метод передачи информационного сообщения, будь то изображение увядающих цветов или лицо посетителя со случайным IP-адресом, но и самостоятельный художественный образ. Ни «Событие», ни «Тайная жизнь цветов» не состоялись бы без их использования – что также становится ценным замечанием о сегодняшнем состоянии изобразительного искусства.
Отдельно стоит отметить одну из сильнейших работ на выставке – инсталляцию Михаэль Ровнер «Свиток Масличной горы». Художница – участница 50-ой Венецианской биеннале 2003 года – выставлялась в Лувре и Музее американского искусства Уитни, и сегодня ее работу уже во второй раз можно увидеть в МАММе. «Свиток Масличной горы» – снова видеоарт. Сложнейшей техникой компьютерной обработки реальных видеозаписей Ровнер создает глобальную модель человечества как общности, вечно движущейся и по сути ничуть не изменяющейся. Здесь мы видим даже не столько деантропоцентризм, сколько отказ от взгляда на отдельного индивида. Ровнер интересует масса. Ее интересует человек не как личность, а как часть огромного, проходящего сквозь время и пространство, целого. Ровнер возвращает зрителя к библейским образам, которые могут показаться моветоном, однако в этом случае использование их оправдано, потому что вряд ли художнице удалось бы найти более считываемую временную точку для демонстрации единения человечества, чем рождение Христа две тысячи лет назад.
Источник фото: пресс-служба галереи
Выходит, что биеннале «Искусство будущего» в МАММе можно назвать именно что современным – со всеми этическими и эстетическими проблемными вопросами сегодняшнего дня, в особенности связанными с непредсказуемыми последствиями технологического прогресса. Выставка наводит на множество актуальных дискуссионных вопросов, наверное, главный из которых – не уходит ли искусство от самой своей сути, когда ИИ начинает использоваться не как механизм или тема, а как объект искусства. Ведь исторически, искусство было антропоцентрично и гуманистично по сути своей – являясь выражением мыслей, чувств и идей человека, оно было направлено на таких же людей. Какие изменения ждут современное искусство, если ни художник, ни зритель теперь не обязательно люди? Кураторы биеннале не дают оценку этому феномену, но показывают, как современное искусство метаморфизируется, подобно некоей черной субстанции Julia Chimera, превращаясь в нечто неизведанное и непредсказуемое – одновременно тревожное и умиротворяющее, но уж точно завораживающее.
У желающих порассуждать о сегодняшнем состоянии современного искусства еще есть время посетить выставку. Биеннале открыта для посещения до 13 сентября 2026 года в Мультимедиа Арт Музее, Москва по адресу: Остоженка, 16. Часы работы музея: вторник — воскресенье, 12:00–21:00, понедельник — выходной. Билеты доступны на сайте и в кассе музея.
Источник фото обложки: пресс-служба галереи
Понравился материал? Подпишитесь на нас в VK и Яндекс.Дзен.
